Балетные костюмы составляют неотъемлемую часть сценического дизайна и могут рассматриваться как визуальная запись спектакля. Часто они являются единственным пережитком постановки, представляющим собой живую воображаемую картину сцены.
Ренессанс и барокко
Истоки балета лежат в придворных зрелищах эпохи Возрождения во Франции и Италии, а свидетельства существования костюмов специально для балета можно датировать началом пятнадцатого века. Иллюстрации этого периода показывают важность масок и одежды для очков. Великолепие при дворе сильно отражалось в роскошно сшитых балетных костюмах. Хлопок и шелк смешивали со льном, вплетенным в полупрозрачную марлю.
С начала 16 века публичные театры строились в Венеции (1637), Риме (1652), Париже (1660), Гамбурге (1678) и других крупных городах. Балетные зрелища на этих площадках сочетались с шествиями и маскарадами, сценические костюмы стали богато украшаться и изготовлялись из дорогих материалов. Основным костюмом танцора-мужчины была облегающая, часто парчовая кираса, короткая драпированная юбка и шлем, украшенный перьями. Танцовщицы носили богато расшитые шелковые туники в несколько слоев с бахромой. Важными составляющими балетного платья были туго зашнурованные сапоги на высоком каблуке и танкетке у обеих танцовщиц, что являлось характерной обувью того периода.
С 1550 г. классическая римская одежда оказала сильное влияние на дизайн костюмов: шелковые юбки были объемными; расположение вырезов и линий талии, дизайн причесок основывались на компонентах повседневного платья, хотя на сцене ключевые детали часто преувеличивались. На платья танцоров-мужчин повлияли римские доспехи. Типичные цвета балетных костюмов варьировались от темно-медного до темно-бордового и пурпурного. Более подробное описание театральной одежды эпохи Возрождения и барокко можно найти в книге Линкольна Кирштейна « Четыре века балета» (1984, стр. 34).
Семнадцатый век
Начиная с семнадцатого века, шелк, атлас и ткани, расшитые настоящим золотом и драгоценными камнями, повысили уровень эффектного декора, связанного с балетными костюмами. Придворное платье оставалось стандартным костюмом для артисток, в то время как костюмы танцоров-мужчин превратились в своего рода униформу, украшенную символическим украшением, обозначающим характер или род занятий; например, ножницы представляли портного.
Первое русское балетное представление было поставлено в 1675 году, и русские переняли европейские балетные замыслы. Хотя костюмы для мужчин-исполнителей допускали полную свободу движений, тяжелая одежда и поддерживающие конструкции для танцовщиц не позволяли изящных жестов. Однако танцоры-мужчины en travesti часто носили юбки до колен. Роскошно украшенные костюмы этого периода отражали славу двора; детали платьев и силуэтов были преувеличены, чтобы быть видимыми и узнаваемыми для зрителей, смотрящих на расстоянии.
Восемнадцатый век
С начала восемнадцатого века европейский балет был сосредоточен в Парижской Опере. Сценические костюмы по очертаниям все еще были очень похожи на те, что обычно используются при дворе, но были более сложными. Около 1720 года паньеПоявилась нижняя юбка с петельками, приподнявшая юбки на несколько дюймов над землей. Во времена правления Людовика XVI придворное платье, балетные костюмы и модный архитектурный дизайн включали в себя декоративные гравюры в стиле рококо и декоративные гирлянды. Цветы, воланы, ленты и кружева подчеркивали этот роскошный женский стиль, а в цветовой гамме сценических костюмов преобладали мягкие пастельные тона лимонного, персикового, розового, лазурного и фисташкового цветов. Женщины-танцовщицы в мужских ролях стали популярными, и, в частности, после Французской революции 1789 года, мужские костюмы отражали более консервативный и трезвый неоклассический стиль, который доминировал в дизайне повседневных модных платьев. Однако массивные парики и головные уборы все же ограничивали подвижность танцоров. В восемнадцатом и девятнадцатом веках,
Девятнадцатый век
С начала девятнадцатого века идеалы романтизма отражались в женских сценических костюмах посредством введения облегающих лифов, цветочных корон, корсажей и жемчуга на тканях, а также ожерелий и браслетов; Неоклассический стиль по-прежнему доминировал в дизайне мужских костюмов. Более того, роль балерины как звездной танцовщицы становилась все более важной и подчеркивалась обтягивающими корсетами, украшенными драгоценностями лифами и роскошными головными уборами. В 1832 году белая многослойная пачка Мари Тальони в опере «Сильфида».установили новую тенденцию в балетных костюмах, в которых силуэты стали более узкими, обнажая ноги и постоянно обутые ступни. С этого момента силуэт балетных костюмов стал более облегающим. Хореография требовала, чтобы балерины постоянно носили пуанты. Русский балет продолжал развиваться в девятнадцатом веке, и такие писатели и композиторы, как Толстой, Достоевский и Чайковский, изменили смысл балета через создание повествовательных постановок. Хореографы классического балета, такие как Мариус Петипа, создали балеты-сказки, в том числе «Спящая красавица» (1890), « Лебединое озеро» (1895), « Раймонда» (1898), что сделало фантастические костюмы очень популярными.
Двадцатое столетие
На рубеже двадцатого века балетные костюмы снова реформировались под более либеральным влиянием русского балетмейстера Михаила Фокина. Юбки балерин постепенно менялись и превратились в пачки до колен, предназначенные для демонстрации точечной работы и множества поворотов, которые составляли основу танцевальной практики. Танцовщица Айседора Дункан освободила балерин от корсетов и представила революционный естественный силуэт. Российский импресарио и продюсер Серж Дягилев отметил эту эпоху своими творческими новаторствами, а профессиональные костюмеры, такие как Александр Бенуа и Леон Бакст, продемонстрировали это в таких спектаклях, как « Шехерезада».(1910), что влияние ориентализма распространилось с моды на сцену и наоборот. Действительно, модельеры, такие как Жан Пуаре, уже использовали форму туники, которую использовали танцоры в довоенную эпоху, а в 1920-х годах художники по костюмам обновили классические русские сюжетные балеты экзотическими туниками и вуалями, обернутыми вокруг тела. Балерины были одеты в свободные туники, шаровары и тюрбаны, а не в устоявшиеся пачки и головные уборы из перьев. Вместо сдержанных пастельных тонов яркие оттенки, такие как желтый, оранжевый или красный, часто в диких узорах, производили на зрителя беспрецедентное визуальное впечатление волнующей экзотики.
Модернизм и постмодернизм
Модернизм либерализовал правила балетного костюма, и после смерти Дягилева в 1929 г. дизайну костюма больше не мешали ограничения, наложенные традиционалистами. В настоящее время артисты балета выступают в различных костюмах, в том числе и в традиционных дягилевских костюмах. В постмодернистских постановках, таких как « Лебединое озеро» Мэтью Борна , художник по костюмам Лез Бразерстон превратила традиционных грациозных самок лебедя в лебедей топлесс с оперенными ногами. Однако модельеры 1990-х годов подхватили тему балеток. Дом Chanel разработал элегантные туфли без каблука, перевязанные лентами, и перенес балетки со сцены на улицу.
Маска в балетных спектаклях
«Дизайн для балета» Мэри Кларк и Клемента Криспа (Лондон, 1978, стр. 34) служит яркой иллюстрацией важности масок в балетных представлениях для стилизации персонажей: «Для демонов это было по-настоящему отвратительно; для нимф это было бы мило наивно. , реки носили почтенные бородатые маски, в то время как карлики и подростки могли быть отягощены массивными головами. Маски также иногда надевали на колени, локти и грудь, чтобы подчеркнуть что-то большее от характера». Полумаски все еще носили до 1770-х годов, и с тех пор их заменили косметикой для лица.
См. также Танцы и мода ; танцевальный костюм ; Театральный костюм .
Библиография
Андре, Пол. Великая история русского балета. Борнмут, Великобритания: Издательство Parkstone, 1998.
Хазин-Беннахум, Джудит. Стремление к совершенству: неоклассическая мода и балет. Оксфорд: Теория моды 6, вып. 4 (2002): 369-386.
Кларк, Мэри и Клемент Крисп. Дизайн балета. Лондон: Кассел и Коллиер, Macmillan Publishers, Ltd., 1978.
Кирштейн, Линкольн. Четыре века балета. Нью-Йорк: Dover Publications, Inc., 1984.
Моррисон, Кирсти. Из России с любовью. Канберра: Национальная галерея Австралии, 1998.
Читай, Брайан. Балетные эскизы и иллюстрации 1581-1940 гг. Лондон: Канцелярия Ее Величества, 1967.
Шувалов, Александр. Искусство русского балета. Нью-Хейвен, Коннектикут, и Лондон: издательство Йельского университета, 1997.
Уильямс, Питер. Шедевры балетного дизайна. Оксфорд: Phaidon Press, Ltd, 1981.
Вульф, Хелена. Балет через границы. Оксфорд и Нью-Йорк: издательство Berg Publishers, 1998.